IMPRESIONISMO Y AIRE LIBRE. De Corot a Van Gogh

 

Cezanneforest

   

 

Del 5 de febrero al 12 de mayo de 2013   

Comisario: Juan Ángel López‐Manzanares

 

Cuando en 1874 se abrió al público la Primera Exposición Impresionista, la pintura al aire libre llevaba ya casi un siglo de vida. No fueron los impresionistas los que la inventaron pero sí, sin duda, los que la llevaron  a  su  máxima  expresión.  La  primera  cita  expositiva  que  propone  el  Museo  Thyssen‐Bornemisza  para  el  año  2013  analiza  la  génesis  y  el  desarrollo  de  esta  nueva  manera  de  abordar  la creación  plástica,  desde  su  carácter  formativo  en  los  paisajistas  de  finales  del  siglo  XVIII  hasta  sus derivaciones expresionistas a comienzos del siglo XX.

Impresionismo  aire  libre.  De  Corot  Van  Gogh  llega  a  las  salas  de  exposiciones  temporales  el  5  de febrero  y  reúne  116  obras.  Entre  los  artistas  presentes  en  esta  ocasión  se  encuentran  desde  los iniciadores  de  los  estudios  al  óleo  al  aire  libre,  como  Pierre‐Henri  de  Valenciennes  o  Thomas  Jones, hasta  artistas  como  Turner,  Constable,  Corot,  Rousseau,  Courbet,  Daubigny,  Monet,  Sisley,  Renoir, Seurat,  Van  Gogh  Cézanne,  entre  otros  muchos  nombres  imprescindibles.  Con  este  amplio  elenco, la  muestra  aborda  el  fenómeno  de  la  pintura  al  óleo  al  aire  libre  en  su  conjunto,  como  una  práctica artística  que  ofrecía  nuevas  e  insospechadas  posibilidades  a  la  representación  del  paisaje,  y  que revolucionó la pintura del siglo XIX.

 

Los estudios al aire libre: del ámbito privado al público 

La  costumbre  de  pintar  paisajes  al  aire  libre,  tal  como  la  conocemos  hoy,  no  arraigó  entre  los  artistas hasta  el  siglo  XIX.  Tradicionalmente  los  paisajes  se  elaboraban  en  el  estudio,  siguiendo  las  reglas clásicas  de  composición,  gradación  tonal,  perspectiva,  etc.  No  representaban  la  naturaleza  tal  cual era, sino tal como debía ser; escenario idealizado de héroes y personajes legendarios extraídos de la historia,  la  mitología  o  las  sagradas  escrituras.  Así ocurría  tanto  con  las  obras  destinadas  a  encargos privados como a las exposiciones oficiales.

 

Desde  finales  del  siglo  XVIII,  sin  embargo,  fue frecuente  que  los  jóvenes  paisajistas  se  ejercitasen durante  su  formación  en  Italia  con  pequeños  estudios al óleo pintados al aire libre. Considerados por la teoría académica  neoclásica  como  obras  menores,  su  función principal  era  la  de  servir  de  ejercicios  de  destreza  para el  ojo  y  la  mano.  Indirectamente,  se  pretendía  que  a través  de  ellos  el  paisajista  adquiriese  un  repertorio  de posible  uso  en  sus  composiciones  ejecutadas  en  el estudio  y  que  no  tuviese  que  recurrir  tanto  a  la  imaginación  como  a  la  memoria.  En  cualquier  caso, los estudios al aire libre quedaban restringidos al ámbito privado del artista.

 

Durante  la  primera  mitad  del  siglo  XIX,  la  neta  distinción  entre  obras  del  natural  y  composiciones  de estudio se fue desdibujando. Desde la década de 1820 se produjeron trasvases entre ambos formatos que implicaron que implicaron un acabado más cuidado de los óleos pintados al aire libre y la utilización frecuente de motivos  tomados  del  natural  en  los  cuadros  llevados  a  cabo  en  el  estudio.  Artistas  como  Corot  y Constable  extendieron  la  práctica  de  la  pintura  del  natural  al  conjunto  de  su  producción.  De  manera paralela,  los  estudios  pintados  en  el  exterior  ganaron  reconocimiento  e  incluso  fue  frecuente  que algunos  paisajistas  optasen  por  presentar  algunos  de  ellos  en  los  certámenes  oficiales  junto  a  sus obras más acabadas.

 

Durante  aquellos  años  el  bosque  de  Fontainebleau  se  convirtió  en punto  de  confluencia  de  varias  generaciones  de  pintores.  Los paisajistas  neoclásicos  coincidieron  allí  con  los  componentes  de  lo que  más  tarde  se  conoció  como  la  Escuela  de  Barbizon  ‐Rousseau, Diaz  de  la  Peña,  Daubigny,  etc.‐,  y  el  propio  Corot  participó  de ambas  corrientes.  Ello  contribuyó  a  dar  continuidad  a  la  pintura  al aire  libre  y  situarla  en  el  centro  del  debate  artístico  francés  del  siglo XIX.  Entre  los  pintores  de  Barbizon  los  estudios  al  aire  libre  y  las obras  ejecutadas  en  el  taller  adquirieron  una  categoría  a  veces paralela,  prevaleciendo  en  ocasiones  los  segundos  y  en  otras,  como en el caso de Daubigny, los primeros.

 

Monet,  Sisley,  Renoir  e  incluso  Cézanne  trabajaron  también  en Fontainebleau.  La  espontaneidad  y  la  rapidez  de  ejecución,  que habían  sido  propias  de  los  estudios  del  natural,  pasaron  a  ser  tenidas por  consustanciales  de  los  cuadros  impresionistas.  Con  ello,  los paisajes pintados al aire libre alcanzaron un estatus nuevo: el de obra definitiva. Pero ni siquiera los pintores impresionistas fueron ajenos a las  limitaciones  de  trabajar  exclusivamente  al  aire  libre,  y  en ocasiones  volvieron  a  recurrir  al  trabajo  en  el  estudio.  Al  mismo  tiempo,  la  preocupación  por  la representación  veraz  de  los  efectos  de  luz  en  el  exterior  dio  paso  a  otros  intereses  de  carácter esteticista y expresivo que acabaron predominando en los cuadros ejecutados por Van Gogh, Nolde Hodler.

 

 

Una iconografía de la pintura al aire libre 

La exposición se estructura temáticamente en torno a algunos de los motivos más frecuentados por la pintura del natural tal como fue concebida por Valenciennes: árboles, rocas, riachuelos, etc. Cada sala, dedicada a uno de estos temas, reúne ejemplos del arte de diversas épocas y escuelas, con el fin de enfatizar, por una parte, la continuidad de la tradición de la pintura al aire libre y, por otra, la diversidad de soluciones plásticas adoptadas.

 

1. Ruinas, azoteas y tejados: 

Las ruinas y arquitecturas constituían en el siglo XVIIIuno  de  los  elementos  integrantes  de  la  pintura  de paisaje, al que otorgaban un carácter pintoresco. Como tales, fueron objeto de la atención de los jóvenes que se formaron en Italia a finales de siglo y comienzos del siguiente, siguiendo la tradición del paisaje idealista del XVII y de las vedute del siglo XVIII. Ahora bien, en los estudios al aire libre ese pintoresquismo cedió terreno ante el afán de veracidad impulsado por Valenciennes, buscando, no tanto una estricta atención al detalle, sino la correcta plasmación del motivo en su conjunto, en sus formas y texturas, y en sus valores tonales.

 

2. Rocas:

La representación de rocas está presente en la pintura de paisaje desde sus inicios. Los primeros estudios de roquedales fueron pintados en Italia a finales del siglo XVIII, pero el protagonismo de este motivo llegó de la mano de la Escuela de Barbizon; no en vano las formaciones rocosas del bosque de Fontainebleau  ocupaban  aproximadamente  un cuarto de su superficie. Los pintores de Barbizon les otorgaron  a  menudo  valores  melancólicos,  de soledad  y  desolación.  En  el  caso  de  los  artistas americanos, por el contrario, arte y geología fueron con frecuencia de la mano. Hacia finales del siglo XIX,  Cézanne  retomó  el  motivo  de  las  rocas  para ahondar en la construcción espacial del cuadro sin recurrir al sombreado o la perspectiva.

 

3. Montañas: 

Las  montañas  no  fueron  objeto  de  interés  estético  hasta  el  siglo  XVIII.  Entre  los  artistas  que trabajaron en Italia predominan las imágenes alejadas, concebidas como fondos para la composición de  cuadros  en  el  estudio.  Un  caso  excepcional  fue  el  del  Vesubio,  objeto  de  numerosas representaciones. Fue en el centro de Europa, pese a todo, donde la iconografía de las montañas alcanzó sus configuraciones más originales, a menudo a medio camino entre el idealismo romántico y el interés científico. Los estudios de montañas al aire libre seextendieron también a países como Austria, Francia o España.

En la obra del pintor suizo Ferdinand Hodler, a comienzos del siglo  XX,  las  montañas  adoptan  un  carácter  simbólico  y  monumental.

Vangoghhospital

 

4. Árboles y plantas:

En la Italia de finales del siglo XVIII se extendió la costumbre de ejecutar estudios del natural de los ejemplares más bellos y pintorescos de árboles y plantas. A ello se sumó el interés botánico puesto de moda por el naturalista sueco Linneo, y que se difundió con rapidez en los países anglosajones. Pero donde este tipo de estudios alcanzó mayor desarrollo fue en la Francia de comienzos del siglo XIX, merced a la preparación de las pruebas del Grand Prix de Roma de  paysage historique, creado en 1817. Para los pintores de Barbizon, asimismo, los árboles se convirtieron en actores silenciosos del paisaje. A comienzos de la década de 1860 los pintores impresionistas también pintaron árboles en Fontainebleau  peron,  frente  al  interés  romántico  por sentimientos que desprenden los grandes robles y hayas, artistas como Monet se concentraron en las sensaciones visuales de la luz al filtrarse a través de sus hojas. Hacia finales del siglo XIX y comienzos del XX los estudios de árboles adoptaron un carácter esencialmente expresivo.

 

5. Cascadas, lagos, arroyos y ríos:

Desde el origen del género del paisaje, el agua contribuyó a imprimir  variedad  y  frescura  a  los  cuadros.  Torrentes  y saltos  de  agua  aparecen  ya  en  los  estudios  de  enclaves próximos a Roma, como Tívoli o Terni, famosos por sus cascadas, o la región de los “Castelli Romani”, con sus lagos Nemi  y  Albano,  plasmados  de  forma  sintética  por  los paisajistas neoclásicos. En Inglaterra, los estudios al óleo de ríos alcanzaron su punto culminante en la obra temprana de  Turner  y  de  Constable.  El  agua  está  también  muy presente  en  la  obra  de  Courbet  –con  un  sentido  muy material–  y  de  Daubigny,  quien  introdujo  el  elemento acuático  en  el  repertorio  temático  de  la  Escuela  de Barbizon e hizo construirse un barco‐estudio para pintar en él sus vistas de los ríos Sena y Oise. De entre los impresionistas, Monet fue el que mayor atención prestó a los efectos cambiantes del agua.

 

 

6. Cielos y nubes:

La representación de los cielos era objeto de la atención de  los  tratadistas  desde  tiempos  de  Leonardo.  Sin embargo fue en el siglo XVIII y comienzos del XIX cuando se extendió la costumbre de ejecutar estudios de nubes.

Encontramos ejemplos de ellos entre los artistas franceses y alemanes que se formaron en Italia. Pero quien llevó a cabo un trabajo más sistemático en la observación de los cielos  fue  Constable.  El  artista  inglés,  en  su  intento  de lograr una mayor integración entre cielo y paisaje en sus grandes composiciones, llegó a pintar más de cien estudios de nubes en sus dos principales campañas en Hampstead entre 1820 y 1822. Otro destacado pintor de cielos fue Boudin, quien influyó en artistas como Courbet y Monet. Ahora  bien,  entre  los  impresionistas  fue  Sisley  quien concedió  mayor  relevancia  a  los  cielos  en  su  obra siguiendo el ejemplo de Constable. La sala se completa con cuadros de Van Gogh y Nolde, con una concepción estilizada, subjetiva y prácticamente abstracta de las nubes.

 

7. El mar:

Como la montaña, el mar fue contemplado con temor hasta el siglo XVIII. Si bien algunos pintores neoclásicos ejecutaron estudios de marinas al aire libre en el golfo de Nápoles, de nuevo fue Constable quien llevó a cabo las primeras marinas al aire libre importantes. La moda de las estancias en la playa como destino vacacional, de la que participó Constable, se extendió de Inglaterra al norte de Francia y, desde el segundo cuarto del siglo XIX, se asistió a un progresivo descubrimiento del litoral de Normandía por parte de escritores y pintores. Ahí realizó  Courbet  sus  “paisajes  de  mar”,  de  una materialidad propia de las rocas de su región natal del Franco Condado. De entre los impresionistas fue Monetel que sintió mayor atracción por el mar; no en vano su juventud había transcurrido en la costa normanda. Allí realizó entre 1880 y 1883 seis campañas en las que pintó el mar, el cielo y los  acantilados.

 

 

 

 

 

FICHA DE LA EXPOSICIÓN 

Título: Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh. 

Organiza: Museo Thyssen‐Bornemisza.

Sede y fechas: Madrid, Museo Thyssen‐Bornemisza, del 5 de febrero al 12 de mayo de 2013. 

Comisario: Juan Ángel López‐Manzanares, conservador de la Colección Carmen Thyssen‐Bornemisza

Número de obras: 116

Publicaciones: catálogo, edición en español.

 

 

 

INFORMACIÓN PARA EL VISITANTE 

 

Museo Thyssen‐Bornemisza 

Dirección: Paseo del Prado 8. 28014, Madrid.

Horario:  de martes  a  domingo,  de  10.00  a  19.00  horas.  Sábados,  de  10.00  a  21.00  horas.  Último  pase

una hora antes del cierre.

Tarifas:  

Exposición temporal:

‐ Entrada general: 10 €

‐ Entrada  reducida:  6  €  para  mayores  de  65  años,  pensionistas,  estudiantes  previa  acreditación  y

familias numerosas.

‐ Entrada gratuita: Menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.

 

Exposición temporal + Colección Permanente:

 

‐ Entrada general: 15 €

‐ Entrada reducida: 8 €

‐ Entrada gratuita: menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.

 

Venta anticipada de entradas en taquillas, en la web del Museo y en el 902 760 511.

Más información: www.museothyssen.org

Audio‐guía, disponible en varios idiomas.

 

 

 

 

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