HIPERREALISMO 1967‐2012

Museo Thyssen-Bornemisza

Del 22 de marzo al 9 de junio
Comisario: Otto Letze

 

Kacere

 

A  finales  de  los  años  1960  surgió  en   Estados  Unidos  un  grupo  de  artistas  que  pintaban  con  gran
realismo objetos y escenas de la vida cotidiana utilizando la fotografía como base para la realización de
sus  obras.  La  consagración  del  movimiento  tuvo  lugar  en  la  Documenta  de  Kassel  en  1972.  La
exposición  que  presenta  ahora  el  Museo  Thyssen‐Bornemisza  plantea,  por  primera  vez,  una  antología
del  Hiperrealismo  desde  los  grandes  maestros  norteamericanos  de  la  primera  generación,  como
Richard  Estes,  John  Baeder,  Robert  Bechtle,  Tom  Blackwell,  Chuck  Close  o  Robert  Cottingham,  a  su
continuidad  en  Europa  y  al  impacto  en  pintores  de  generaciones  posteriores,  hasta  la  actualidad.  El
Hiperrealismo  no  es  un  movimiento  cerrado;  hoy,  más  de  cuarenta  años  después  de  su  aparición,
continúan  en  activo  muchos  de  los  pioneros  del  grupo  y  nuevos  artistas  utilizan  la  técnica  fotorrealista en  sus  creaciones.  Herramientas  y  motivos  han  evolucionado  o  cambiado  con  el  tiempo  pero,  con  su increíble definición y nitidez, las obras hiperrealistas continúan fascinando al público.
Organizada  por  el  Institut  für  Kulturaustausch  (Instituto  para  el  Intercambio  Cultural  de  Alemania)  y comisariada  por  su  director,  Otto  Letze,  esta  retrospectiva  reúne  66  obras  procedentes  de  diversos
museos y colecciones particulares. La Kunsthalle de Tubinga (Alemania) ha sido la primera escala de un
recorrido  que  llevará  la  muestra  a  varias  ciudades  europeas;  en  el  Museo  Thyssen‐Bornemisza  de
Madrid podrá verse hasta el 9 de junio y, posteriormente, viajará al Birmingham Museum & Art Gallery
(Reino Unido).

rles Bell. Paragon, 1988. Óleo sobre lienzo, 127 x 244 cm.   Courtesy of Louis K. Meisel Gallery, New York. 

rles Bell. Paragon, 1988. Óleo sobre lienzo, 127 x 244 cm. 
Courtesy of Louis K. Meisel Gallery, New York.

Paisajes  urbanos,  escaparates,  restaurantes  de
comida  rápida,  últimos  modelos  de  coches,
relucientes  motocicletas,  máquinas  de  pinball,
juguetes  de  hojalata,  botes  de  kétchup,…
fragmentos  de  la  vida  cotidiana,  escenas
banales  y  artículos  de  consumo  convertidos  en
motivo  artístico.  Los  principales  asuntos  que
ocupan  el  interés  de  los  pintores  hiperrealistas
están  tomados  del  mundo  que  les  rodea,  de  su
propio  entorno  personal,  dando  visibilidad  a  lo
cotidiano a través de su pintura.
Motivos intrascendentes que captan primero a través de la fotografía y que después trasladan al lienzo
mediante  un  laborioso  proceso,  utilizando  diversos  recursos  técnicos,  como  la  proyección  de
diapositivas  o  el  sistema  de  trama.  Son  obras  generalmente  de  gran  formato,  pintadas  con  tal
precisión  y  exactitud  que  los  propios  lienzos  producen  una  impresión  de  calidad  fotográfica,  pero
realizadas  mediante  un  proceso  creativo  completamente  opuesto  a  la  inmediatez  de  la  instantánea
fotográfica.
Considerada  como  una  forma  objetiva  de  documentar  el  mundo,  desde  su  invención,  el  uso  de  la
fotografía  como  punto  de  partida  de  la  pintura  fue  una  práctica  habitual  de  muchos  pintores,  aunque
pocos  lo  reconocían.  Tras  la  utilización  pionera  de  la  serigrafía  por  los  artistas  pop,  como  Warhol  o
Rauschenberg,  fueron  los  primeros  hiperrealistas  los  que  empezaron  a  usar  la  fotografía  sin  reparos,
convirtiéndola  así  en  un  instrumento  “legítimo”.  Partían  a  veces  de  fotos  de  revistas  o  periódicos  pero pronto  empezaron  a  captar  ellos  mismos  las  imágenes,  una  o  varias  que  luego  fusionaban  en  el cuadro.  Las  escenas  tridimensionales  se  transforman  en  bidimensionales  y  quedan  privadas  de cualquier  emoción;  son  instantes  de  realidad  congelados  en  el  tiempo  y  a  menudo  también  sin  la presencia  de  seres  humanos.  Les  fascinan  las  superficies  metálicas  de  cristales  y  espejos  que  permiten recrearse en las imágenes deformadas de sus reflejos.

La  fotografía  como  punto  de  partida  y  como  aparente resultado  final,  pero  no  como  objetivo;  en  ningún  caso  el
pintor  hiperrealista  aspira  a  competir  con  ella,  su motivación  es  completamente  diferente.  Sus  obras
parecen reproducir la realidad pero, de hecho, se trata de una  nueva  realidad  gráfica  creada  por  el  pintor.  A  través
de  ella  empezaron  a  plantearse  determinados  problemas en  torno  a  la  percepción  de  la  realidad:  se  interrogan  por
cuestiones  como  la  objetividad  y  la  autenticidad  de  las imágenes,  o  sobre  cómo  la  fotografía  ha  cambiado  la
forma de ver y de relacionarse con el mundo.

 

Los  pioneros  del  Hiperrealismo  reflexionan  sobre  todo  ello  y  lo  convierten  en  el  tema  de  sus  cuadros, y lo hacen trabajando de forma más o menos aislada. A comienzos de los años 1960, en la Costa Oeste
norteamericana,  Robert  Bechtle  empieza  a  producir  los  primeros  cuadros  auténticament fotorrealistas;  casi  al  mismo  tiempo,  Richard  Estes  comienza  en  Nueva  York  a  trabajar  en  sus característicos  escaparates  y  paisajes  urbanos,  Chuck  Close  pinta  sus  famosos  retratos  y,  la  única mujer de este grupo de pioneros, Audrey Flack, realiza sus primeros trabajos basados en fotografías.

 

 

Fragmentos ampliados de la realidad, de objetos, personas o lugares

 

Esta  primera  generación  de  hiperrealistas  es  casi  exclusivamente  norteamericana;  trabajan  unos  en  la
Costa  Este,  básicamente  en  Nueva  York,  o  en  la  costa  de  California.  Con  algunas  particularidades,  sus
temas  muestran el estilo de vida americano, “the american way of life”, imágenes de la vida  cotidiana,
artículos de consumo y vehículos son los temas más representativos.

 

microsite

 

Automóviles,  motocicletas,  camiones,  auto‐caravanas…,los  vehículos  significan  movilidad,  libertad  y,  por  tanto,
son  una  parte  muy  representativa  de  la  sociedadestadounidense y de cómo se ve a sí misma. Además, los
materiales  utilizados  en  carrocerías,  llantas  o parachoques  y  los  reflejos  que  se  producen  al  recibir  la
luz  les  resultan  fascinantes.  David  Parrish  resalta  sus relucientes superficies que reflejan los rayos del sol; para
Tom  Blackwell  la  motocicleta  es  un  objeto  de  culto  y pinta  detalles  y  fragmentos  concretos  muy  ampliados;
Ron Kleemann traslada su interés a los grandes vehículos agrícolas  y  camiones;  Don  Eddy  se  interesa  durante  un tiempo  por  el  legendario  Escarabajo,  centrándose  en  representar  la  superficie  reflectante  de  su carrocería;  Ralph  Goings  pinta  furgonetas  y  auto‐caravanas,  además  de  sus  famosos  restaurantes  de comida rápida; Jonh Salt se concentra en desguaces de coches….
El  juego  de  la  luz  incidiendo  sobre  las  superficies  pulidas protagoniza  también  otro  de  sus  temas  predilectos,  el bodegón.  Objetos  cotidianos  sin  mayor  relevancia,  como juguetes  y  máquinas  expendedoras  (Charles  Bell),  grupos de  alimentos  (Ben  Schonzeit),  artículos  de  consumo  y objetos personales (Audrey Flack).
Reflejos  también  en  fragmentos  de  la  vida  moderna  en  la ciudad:  Robert  Cottingham  se  interesa  por  los  anuncios comerciales  y  los  rótulos  luminosos;  Richad  Estes  por  los reflejos  en  escaparates,  cabinas  telefónicas  y automóviles;  John  Baeder  pinta  el  exterior  de restaurantes  de  comida  rápida,  mientras  que  Ralph Goings  prefiere  las  imágenes  de  su  interior.  También  el mundo  rural  de  Estados  Unidos  está  representado  en  la obra  de  algunos  hiperrealistas,  principalmente  los  que  trabajan  en  la  Costa  Oeste;  como  Richard McLean,  que  pinta  a  los  cowboys  y  cowgirls  modernos;  Jack  Mendenhall  que  se  interesa  por  el ambiente  de  los  hogares  estadounidenses  de  los  sesenta;  o  Robert  Bechtle  centrado  en  plasmar instantáneas del día a día de la clase media estadounidense.
Y  de  la  vida  cotidiana  al  retrato,  siempre  de  personas  próximas  al  círculo  del  artista  y  autorretratos.
Chuck  Close es su mayor representante, se retrata a sí mismo y a amigos a tamaño superior al natural,
utilizando  un  sistema  de  retícula;  son  rostros  que  miran  al  espectador  sin  ningún  tipo  de  emoción  ni movimiento.  También  al  suizo  Franz  Gertsch,  que  trabaja  aislado  de  sus  colegas  norteamericanos,  le atrajo  el  género  del  retrato.  Junto  al  británico  John  Salt,  son  los  únicos  hiperrealistas  de  la  primera generación  no  estadounidenses,  aunque  Salt  se  traslada  en  los  años  1960  a  Nueva  York.  Por  su  origen y  por  la  elección  de  motivos  ambos  contribuyeron  a  la  internacionalización  del  movimiento, característica  que  marcará  el  desarrollo  de  la  segunda  generación  de  pintores  hiperrealistas,  junto  a  la introducción de algunas innovaciones tecnológicas y compositivas.

 

De lo personal al anonimato, paisajes urbanos de gran formato

 

Brunelli

 

Atraídos  igualmente  por  plasmar  la  realidad cotidiana,  los  artistas  de  la  segunda  generación
hiperrealista,  que  trabaja  en  los  años  1980  y 1990, muestran un mayor  interés por  trasladar al
lienzo  las  fotografías  con  el  máximo  rigor  en  los detalles,  incorporando  a  su  trabajo  las  enormes
posibilidades  que  les  brindan  las  nuevas tecnologías  digitales  y  fotográficas.  Se  alejan  de
lo  pequeño  y  se  centran  en  paisajes  urbanos  de grandes  dimensiones,  uno  de  sus  temas
preferidos  y  para  el  que  utilizan  con  frecuencia  el  formato  panorámico.  El  italiano  Anthony  Brunelli fotografía  los  modelos  con  un  objetivo  gran  angular,  uniendo  después  varias  imágenes  en  el  lienzo; pinta  así  vistas  urbanas  de  los  diversos  países  en  los  que  trabaja.  Robert  Gnieweck  se  siente  atraído por  los  paisajes  urbanos  principalmente  al  atardecer  o  de  noche,  le  fascinan  los  espectáculos  de  luz nocturnos;  Davis  Cone  lo  hace  con  las  salas  de  cine,  dentro  y  fuera  de  la  ciudad;  y  el  francés  Bertrand Meniel, a pesar de su origen, se interesa de nuevo por las grandes ciudades estadounidenses.
Los  avances  tecnológicos  se  notan  en  el  resultado  final  de  las  obras,  con  una  apariencia  de  mayor
nitidez  y  detallismo.  La  escasa  presencia  de  la  figura  humana,  característica  por  otro  lado  bastante frecuente  en  el  Hiperrealismo,  aumenta  la  impresión  de  frialdad  y  distanciamiento.  Rod  Penner  utiliza cámaras digitales de alta resolución y  Don Jacot pinta plazas y  lugares  urbanos  famosos  por  ser  muy  concurridos,  pero  él los  representa  sin  apenas  presencia  alguna  de  la  figura humana.

 

Absoluta nitidez, mayor precisión que la del ojo humano

 

Bernardi

 
Los artistas actuales, la tercera generación de hiperrealistas, trabajan  con  las  cámaras  digitales  más  modernas  y consiguen  llevar  la  pintura  realista  a  otra  dimensión,creando  experiencias  visuales  completamente  nuevas.  Las imágenes  digitales  aportan  más  información  que  las reveladas  a  partir  de  un  negativo;  en  particular,  la  nitidez de  los  contornos  y  la  alta  definición  convierten literalmente  la  imagen  representada  en  un  objeto  “hiperreal”.  Roberto  Bernardi  se  centra  en bodegones,  Raphaella  Spence  toma  fotografías  desde  helicópteros  o  rascacielos,  Peter  Maier  se
interesa  fundamentalmente  por  la  representación  de  superficies  y  Ben  Johnson  por  las  arquitecturas,
realizando  después  numerosos  dibujos  con  la  ayuda  del  ordenador.  La  ciudad  y  sus  habitantes  siguen
centrando la atención de artistas, como el norteamericano Robert Neffson o el británico Clive Head.

 

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título: Hiperrealismo 1967‐2012

Organiza: The Institut für Kulturaustausch (Instituto para el Intercambio Cultural de Alemania).

Sedes  y  fechas:  Tubinga,  Kunsthalle,  del  8  de  diciembre  de  2012  al  10  de  marzo  de  2013;  Madrid,  Museo
Thyssen‐Bornemisza,  del  22  de  marzo  al  9  de  junio  de  2013;  Birmingham  Museum  &  Art  Gallery,  del  30  de
noviembre de 2013 al 30 de marzo de 2014.

Comisario: Otto Letze, director del Institut für Kulturaustausch.

Coordinación: Blanca Uría, Área de Conservación del Museo Thyssen‐Bornemisza.

Número de obras: 66

Publicaciones: catálogo, ediciones en español e inglés

 

INFORMACIÓN PARA EL VISITANTE

Dirección: Museo Thyssen‐Bornemisza. Paseo del Prado 8. 28014, Madrid.

Horario:  de  martes  a  domingo,  de  10.00  a  19.00  horas.  Sábados,  de  10.00  a  21.00  horas.  Último  pase  una
hora antes del cierre.

Tarifas:
Exposición temporal:
‐ Entrada general: 8 €
‐ Entrada  reducida:  5,50  €  para  mayores  de  65  años,  pensionistas,  estudiantes  previa  acreditación  y
familias numerosas.
‐ Entrada gratuita: Menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.

Exposición temporal + Colección Permanente:
‐ Entrada general: 12 €
‐ Entrada reducida: 7,5 €
‐ Entrada gratuita: menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo.

Venta anticipada de entradas en taquillas, en la web del Museo y en el 902 760 511.

Más información: www.museothyssen.org

Audio‐guía, disponible en varios idiomas.

 

 

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